L’artiste irlandais d’électro expérimentale et multi-instrumentiste Killian Walsh revient avec Ise, un album de onze morceaux qui transforme des expériences profondément personnelles en une œuvre électronique riche et variée. Sorti le 26 juin chez Ardchumhacht, l’album fait suite aux singles précédents Let's Float et Let's Play Bongos, réunissant Electronica, Melodic House & Techno, Progressive House, Ambient, Techno et Trance au sein d’une collection cohérente qui invite à une écoute ininterrompue.

Portant le nom de l’expression irlandaise signifiant « elle », Ise s’érige en hommage aux femmes qui ont marqué la vie de Walsh. Conçu après le décès de son épouse Catherine et de son père, ce projet a évolué progressivement, passant de compositions isolées à un album complet qui explore le deuil, le souvenir, l’acceptation et l’espoir, sans jamais perdre de vue son identité musicale.

Évoquant le projet, Walsh a expliqué :

"Music has been part of my life from a very young age, and I had what I can only describe as a pull to do something. This album is effectively the story of the journey of my grief, realising that grief is a form of madness and all the emotions attached to that."

Plutôt que de présenter le deuil comme une destination, Ise explore les multiples étapes qui l’entourent. Le résultat n’est ni un disque trop sombre ni un album de musique électronique conventionnel. Au contraire, Walsh laisse chaque composition évoluer naturellement, la musique oscillant entre des pièces d’écoute contemplative et des productions électroniques plus axées sur le rythme, au fil du déroulement du récit émotionnel.

Des mois avant la sortie de l’album, Walsh et sa fille Elise SW se sont confiés sans détours à Oliver Callan lors d’une interview sur RTÉ Radio 1, évoquant les expériences qui ont façonné le projet. Leur conversation a offert un éclairage précieux sur le fondement émotionnel de Ise, révélant comment la musique est devenue un moyen d’assimiler la perte tout en reconstruisant progressivement la vie quotidienne.

Elise a décrit le deuil comme « une expérience très isolante », expliquant que chaque relation avec la personne décédée est unique et que nul ne vit la perte de la même manière. Walsh a évoqué des phases de colère, d’engourdissement émotionnel et de déconnexion, qualifiant le deuil de « quelque chose qui a sa propre vie » et qui exige, en définitive, de la patience plutôt que de la résistance. Ensemble, leurs réflexions apportent un éclairage précieux à un album qui ne cherche jamais à offrir des réponses simplistes, mais qui embrasse l’honnêteté autant par les mots que par le son.

Après avoir écouté l’album dans son intégralité, il apparaît clairement que Walsh évite de se cantonner à un seul genre. Au contraire, chaque morceau sert l’arc émotionnel plus large, laissant la musique déterminer sa propre direction plutôt que de se conformer aux attentes stylistiques.

En ouvrant l’album, Let's Dance met immédiatement en avant l’un des atouts majeurs du disque grâce à la collaboration de Walsh avec Elise SW. Bien que Beatport classe ce morceau dans la catégorie Progressive House, sa progression mélodique chaleureuse, son travail expressif aux synthés et son ambiance exaltante tendent naturellement vers le Melodic House & Techno, instaurant dès le départ une tonalité pleine d’espoir.

Cette énergie cède la place à Let's Float, peut-être la composition la plus aérée de l’album. Inspirée par un instant partagé dans l’Irish Sea après le décès de la femme de Walsh, le morceau se déploie à travers une Electronica ample, un développement mélodique doux et une production sobre. Plutôt que de poursuivre l’élan, il laisse le silence et l’atmosphère devenir des partenaires à part entière au sein de l’arrangement.

Le morceau-titre Ardchumhacht ramène l’auditeur vers le territoire de la Progressive House grâce à des mélodies soigneusement superposées et une progression graduelle, avant que Squirrel ne ramène tout à sa simplicité. Des motifs de piano, des textures ambient et une électronique sobre donnent lieu à l’un des moments les plus introspectifs de l’album, mettant en lumière la capacité de Walsh à transmettre des émotions sans recourir au contenu lyrique.

Ross McDonald rejoint Walsh sur I See It, s’ouvrant sur des voix parlées traitées électroniquement, délivrées avec son accent écossais si caractéristique. Ce qui suit est moins une chanson traditionnelle qu’une composition électronique en évolution, mêlant des textures cinématographiques à une montée mélodique lente qui récompense une écoute patiente.

L’album se tourne résolument vers la piste de danse avec Away With The Fairies. S’ouvrant sur un sample vocal répété avant d’introduire des percussions tribales, le morceau évolue vers un deep hypnotic Techno fondé sur la répétition, une tension subtile et un élan soigneusement maîtrisé. Il offre l’un des moments club les plus puissants de l’album, tout en conservant la retenue émotionnelle présente dans l’ensemble du projet.

Elise SW revient sur Robin, offrant l’un des moments les plus émouvants de l’album. S’ouvrant sur la phrase « C’est maintenant ou jamais », sa voix plonge aussitôt l’auditeur dans un son mélodique intime, où de douces harmonies vocales deviennent un instrument à part entière au sein de l’arrangement. Plutôt que de dominer la production, son interprétation se fond en toute fluidité avec les mélodies évolutives, renforçant le duo père-fille qui constitue l’une des caractéristiques marquantes de l’album.

Harvest Moon commence comme l’un des morceaux les plus introspectifs de l’album, avant d’introduire progressivement un mouvement rythmique vers la moitié de la pièce. Les textures chorales et une instrumentation soigneusement superposée transforment peu à peu la composition en quelque chose de plus ample, sans pour autant sacrifier son cœur émotionnel discret.

La dynamique s’accélère encore davantage dans The Build, où Walsh se rapproche de Raw and Hypnotic Trance avec une intensité plus grande que partout ailleurs sur l’album. La production reste maîtrisée tout au long, mais son rythme entraînant et son énergie en constante évolution donnent lieu à l’un des moments les plus puissants du disque.

Le single précédemment sorti « Let's Play Bongos » reste l’une des compositions les plus marquantes de l’album. Construite autour de percussions tribales, de bruits environnementaux et d’une production électronique avant-gardiste, la piste mêle une répétition hypnotique à de subtiles touches psychédéliques qui évoquent des éléments de la musique électronique underground classique, tout en conservant l’identité propre à Walsh.

Le morceau de clôture Squirrel (Club Mix) revient sur les thèmes abordés plus tôt, mais sous une interprétation club plus marquée. Après un début ponctué d’une percussion affirmée, puis l’apparition de textures pianistiques vers la deux minutes, l’arrangement s’étend progressivement en un passage mélodique et atmosphérique, avant que la batterie ne fasse son retour avec un élan renouvelé, offrant une conclusion satisfaisante qui réunit les identités d’écoute et de dancefloor de l’album.

À travers Ise, Walsh fait preuve d’une remarquable capacité à passer d’un genre à l’autre sans que ces transitions ne paraissent forcées. Electronica, Progressive House, Melodic House & Techno, Ambient, Techno et Trance contribuent tous au récit plus large de l’album, sans toutefois faire perdre de vue l’honnêteté émotionnelle qui en est le cœur.

Le projet aboutit finalement car il ne traite jamais le deuil comme un spectacle. Au contraire, Walsh laisse la mémoire, la famille et l’expérience personnelle modeler la musique de manière organique, les contributions d’Elise SW y ajoutant une dimension profondément humaine. Ensemble, ils ont créé un album qui témoigne de la perte tout en restant résolument tourné vers l’espoir, la reconnexion et la résilience discrète qui suit les moments les plus difficiles de la vie.